Alda Merini - Poeta dell'amore - Relatrice Cristiana Petreacci

Poetessa italiana (Milano 1931 - ivi 2009). Annoverata tra le maggiori voci poetiche del Novecento, esordì con due liriche pubblicate da G. Spagnoletti nell'Antologia della poesia italiana 1909-1949 (1950); nello stesso periodo frequentò G. Manganelli e S. Quasimodo. Al 1953 risale il suo primo volume di versi, La presenza di Orfeo, in cui già si manifesta l'intreccio di temi erotici e mistici caratteristico della sua produzione. Dopo Tu sei Pietro (1961) ebbe inizio un silenzio artistico durato vent'anni.

Antonio Canova - Relatrice Prof:ssa Mirella Tribioli

Mirella Tribioli, scrittrice, critico letterrio e d'arte, illustra soprattutto da un punto di vista umanistico, la vita ed il cammino artistico di Antonio Canova. Di seguito un profilo formale della vita del Canova da noi proposto per chi non avesse piena conoscenza del personaggio considerato a livello mondiale un grandissimo, in particolare per le opere scultoree. Antonio Canova nacque a Possagno il primo novembre 1757. A soli quattro anni rimase orfano del padre, Pietro.

Andrea Caterini intervista Edith Bruck



Intervista in occasione del 61° Premio Nazionale Frascati Poesia Antonio Seccareccia nel quale è stao conferito il Premio alla Carriera ad Edith Bruck scrittrice e poetessa.

Giuseppina Nieddu - Panasonica autore Simone Di Biasio

PANASONICA Di Simone Di Biasio

Simone di Biasio è un giovane poeta di 33anni. Nato a Fondi , cittadina di 40.000abitanti , nella provincia di Latina. Vive a Roma dove si è laureato in “Comunicazione”. Giornalista, si è sempre occupato di Poesia che in lui rimane al centro di una ricerca sperimentale che ha a che fare sostanzialmente con il linguaggio, con la sua origine e con l’origine di tutti noi che ( Pag 19) :

"Abbiamo abitato tutti una casa del novecento
Dove stanno i vecchi riposti negli stipi
Dove apriamo credenze piene di grascia
In saloni deserti da uno sfollamento,...
il passato è un innovazione da inventare”

Il libro che lo vede tra i Finalisti del Premio Frascati Poesia s’intitola PANASONICA . In una nota l’autore chiarisce il senso del titolo. Panasonica è una lingua nuova, impastata di frasi dialettali, di italiano pratico e di anglismi provenienti dalla società elettronica e musicale contemporanea che contribuiscono a formare i suoi interessanti ed inediti “ versi liberi”. Il giovane poeta è “colto” e consapevole che anche nella mescolanza di suoni tutto può risuonare in maniera poetica profondamente nuova perciò ognuno di noi vi si può riconoscere. In effetti le nostre case visitate da una trasformazione evolutiva molto accelerata, hanno partorito nell’arco di tre generazioni una lingua nuova che invoca richiede e trasmette “ Calmezza” . Il libro mi ha sorpreso fin dall’inizio. E’ edito nel gennaio 2020 da una nuova Casa editrice nata da un’Associazione per la Poesia: Il Ponte del Sale di Rovigo. E’ diviso in diverse sezioni. Nella prima intitolata LA CALMEZZA i versi (pag.20 ) Tu dicevi che ci vuole la calmezza,/ in tutte le cose visibili e invisibili /raccontavi con calmezza assisa dritta/ e la lingua dice che tieni ragione / perché la sera porta la calmezza /il mare la mattina ispira la calmezza / in casa deve abitare la calmezza. ci introducono subito in maniera creativa nell’intimità e nel cuore di questo giovane poeta che ci prende per mano, ci fa da guida facendoci visitare con lui le case del suo paese. Andiamo anche noi con stupore a visità i sepulcr’. “andiamo dal vivo a cercare qualcuno, a stanarlo nell’ombra di luce in cui se ne sta raccolto.” Così fin dall’inizio Di Biasio ci comunica il suo piacere di giocare con la lingua arcaica e nuova facendo danzare le parole in maniera inedita e affascinante ( questi giorni, mi son ritrovata anch’io ad adottare questa parola, sperimentando che mi aiuta a ricentrarmi con dolcezza e tenerezza, come un mantra inserito in un respiro profondo) In empatia con l’autore entro così ad ascoltare i suoni della mia casa panasonica interiore e tutto l’ambiente in cui sono nata e cresciuta e dove continuo a vivere, crescere, morire e rinascere con una calma stupefatta che s’irradia . E’ un pò come sperimento da anni nei laboratori di ascolto e produzione di versi delle classi elementari e medie che conduco a Frascati, all’interno dell’Associazione. Cuore vibrante della prima sezione del libro e di tutti i versi resta “la nonnità “, gli anziani, la memoria che scorre ( pag 21) nel corridoio in cui la casa lascia forma /sulla tua vecchia schiena e tu curva in avanti /sgrani gli occhi sgrani i rosari, tu piena di grazia /scamenti nella credenza gli affetti personali / e l’artrosi che di te si nutre t’ha fatta davanzale / da cui ci possiamo affacciare, guardare fuori / aspettare albeggi dai tuoi occhi di valle. Sono occhi che abbracciano la guerra che ha bombardato cuori e lingua, lingua che ritorna dall’America con il gergo navigato dei migranti . Sono versi che cantano le piccole cose preziose ( il primo centrino ricamato a mano dalla nonna) con le tinte crepuscolari di A. Fogazzaro G. Gozzano, di C. Govoni e del poema Italy di Pascoli.) Sono versi che serbano nel cuore e commemorano il bicchiere azzurro latte È morto oggi il bicchiere azzurro latte /scivolato da un gradino troppo alto /della credenza, avrebbe versato ancora./ Se n’è discusso a tavola/ come di una cosa viva, un vecchio / che assieme a noi beveva molto.// S’è infranto il sogno del bicchiere azzurro latte / di essere infrangibile: il silicio s’è sciolto / pure nelle nostre bocche ed è parso testamento, / i minuscoli detriti sparsi ovunque /una memoria esplosa di tutto un firmamento. // Ha dato da bere agli assetati, compito assolto //nella forma ed assoluta trasparenza. // Sono occhi che come il melograno vivono le diverse stagioni e si spengono “sul punto più alto di maturazione. // Mantenersi è un verbo di vertigine.” Amo molto l’atmosfera corale che sostiene, accompagna ed emerge dai versi che raccontano la morte degli anziani di S. Di Biaso . Atmosfera che ricorda quella del poeta contemporaneo F. Arminio e che mi riporta a casa nella mia terra di Sardegna. Cosa è successo? È successo che è morta… È successo che è morta? Sì. Successo. Trionfo, giubilo, processione di gente… Quando è successo? La notte è successo. / Quando allucca un bianco che sfonda il sonno. / Il corno che annuncia l’ora. / La sonata che annuncia loro alle porte. / È successo dove si è attesi. Ritornano in me le parole sagge degli anziani della mia terra nuorese che per ogni morte sentenziavano: ( A s’ora sua non mancat nemmos e su mortu non sinc’ andat chene prantu- Alla sua ora non manca nessuno e il morto non va via senza essere pianto) Il passaggio finale che attende tutti noi richiede la sacralità del silenzio, nella certezza che tutto scorre ( pag 36 ) dei morti nell’atto del morire non si può che dire solo il bene – chi manca è innocuo, un pensiero/ il passaggio è un delta dove mare e fiume sono ancora acque della stessa specie. Nella seconda sezione intitolata LA PAROLA PANASONICA la lingua è sempre la protagonista e il suono è sempre più correlato all’immagine. S. Di Biasio, allontanatosi dal suo paese per motivi di studio, come A. Manzoni, che sentì l’esigenza di sciacquare i panni in Arno”, sintonizza e alza il tono del volume della parola stereofonica. Grato per gli incontri con i suoi maestri, Libero De Libero e Rodolfo Di Biasio, suoi conterranei, spicca il volo e coniuga diversi registri attingendo all’informatica, alla tecnologia, ai mass media, usando consapevolmente tutti i mezzi come messaggi che rinnovano con Calmezza la polifonia delle varie voci e sapendo che “Saper dire è una ferita aperta.”e che “vedere è verbo, è parola che si odora” “Ti laverei nella tinozza verdeacqua dell’infanzia / dove a uscire si tremava in piedi e spogliati/ a imparare ancora la sfrenatezza della parola.” La terza sezione MADRE LINGUA Rimette al centro la forza della parola creatrice che ci riporta e ci fa ripartire dalle origini( pag. 55-56 ) questa forma verbale dialettale /mesce il capire dentro la capienza:/ se non ci capiamo, non ci entriamo/se non comprendiamo, stiamo fuori. Ovunque è materno.” Materno il corpo, il magnete che attrae il nord/ materno l’abbandono, il laccio lattante/ che conduce il raggio alla sua luna /la quale tira tira con forza riprende / la luce che offerse ai figli, /luce sfibrata, intermittente, che sta increpata.// In S. Di Biasio sa il rischio del bla bla che in lui diventa “ parola nuova solo quando stiamo muti, le nostre voci appese al silenzio /Il momento migliore è quando non succede niente.//” E’ quando in silenzio( pag.65) La madre passa a lucidare i nostri nomi:/ quando si toccano due tazze è mezzogiorno/ un’anta sbatte e una stagione si chiude// si dica soltanto una parola almeno – e si sarà salvati. L’ultima sezione è LA PAROLA NEO A sorpresa e’ qui che il registro poetico linguistico cambia, sembra scordare l’uso delle parole dialettali e, canta con termini prettamente informatici e tecnologici, memori della musica inglese contemporanea , canta un nuovo Cantico dei cantici, in cui il poeta si esprime con un erotismo vibrante perchè scopre di “ Essere riaccolto, riammesso nelle fila di questo tuo campo fertile di giuramento. Mi tieni in grembo e mi partorisci,/ le ginocchia piegate connettono i petti:/ per un poco il dolore si adagia sul collo,/ ogni secrezione si mesce: seme, sudore/, pianto e fuoco impastati nella stessa carne.// Pag. 86 Ho abitato per una notte le tue gambe/ le pareti di pelle mi sorridevano e riparavano/ dai vortici dell’aeroporto di Stanstead. /C’era un’abat-jour accanto alle tue gambe cuscino/con un neo grande che fa del nostro un neo-amore:/ respiravo e non temevo il buio come sarà prima di/morire. (Il caso d’essere amati è pari soltanto al caso d’essere nati.) (Gli sguardi sono imprevisti temporali.) Si, la Poesia e la lingua, come l’AMORE, sono sempre NEO, non finiranno mai di fornire nuovi significati perchè la Poesia è sempre scritta da un luogo aurorale che ci porta in fondo e oltre il pozzo, facendoci rinascere per imparare sempre meglio ad amare in ogni tempo e ad attraversare i travagli dei passaggi personali ed epocali. Saprà il giovane Simone Di Biasio e noi con lui, cantare e attendere il continuo travaglio vitale del parto del nascente in noi e attorno a noi, trasmetterlo e leggerlo con stupore e gratitudine, ai giovanissimi e alle generazioni future ? Lo auguriamo di cuore a lui e a noi, confidando nella forza terapeutica della POESIA e nella mirabile opera dell’Associazione FRASCATI POESIA che la diffonde con cura da più di sessant’anni. 

Giuseppina Francesca Nieddu 16- 09-2021

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Teatri Filosofici - "discorsi sul coraggio" - Arnaldo Colasanti Emanuele Trevi

Il nostro Arnaldo Colasanti conversa con Emanuele Trevi sul tema del coraggio. (AUDIO) Trevi è uno dei critici più celebri della sua generazione oltre che premiato scrittore. Ha tradotto e curato edizioni di classici italiani e francesi: si ricordano testi dedicati a Leopardi, Salgari, e autori italiani del Novecento. Tra le sue collaborazioni citiamo: il «Manifesto» (Alias) e la trasmissione radiofonica Lucifero di Radio Tre, con una sezione dedicata alla poesia. Il suo libro Istruzioni per l’uso del lupo ha riscosso un notevole successo. Redattore di «Nuovi Argomenti», ha fatto parte della giuria del premio Calvino nel 2001, e del premio Alice 2002. Nel 2012 esce per Ponte alle Grazie il libro Qualcosa di scritto. È stato editor per Fazi e ha collaborato con la casa editrice Quiritta. Tra le sue pubblicazioni: Istruzioni per l'uso del lupo (Castelvecchi 1994), Musica distante (Mondadori 1997), Figuracce (Einaudi 2014), Il popolo di legno (Einaudi Stile Libero 2015), Sogni e favole (Ponte alle Grazie 2019), Viaggi iniziatici (UTET 2021) e Due vite (Neri Pozza 2021) vincitore del Premio Strega nel 2021.
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Antonio Di Mauro -Società italiana spiriti-di Mirella Tribioli

Antonio Di Mauro -Società italiana spiriti- di Mirella Tribioli

Antonio Di Mauro nella sua immagine esteriore quanto interiore di gentiluomo, fatto di squisitezza e di buone maniere figura uomo di altri tempi, mentre in realtà pur nato nel 1950, non è né uomo anziano, né tanto più, vecchio, ma uomo di età grande questo sì, se non altro per la importante esperienza di un vissuto di travagli intimi e familiari, che hanno segnato in maniera decisa e amara la sua vita già nei suoi primissimi anni di infanzia e di adolescenza. Nato ad Aci Bonaccorsi (Catania), in quel distinguo di uomo siciliano qual è, incarna da subito, agli occhi di chi lo accosta, ancor più quelle movenze di uomo d'altro tempo anche per quel denso bagaglio di cultura che mostra a pie' sospinto nel suo parlare sillogistico, e in quei suoi scritti dirompenti, deflagrazioni di un pensiero che nella sua più completa forza, saldamente si insinua nella mente di chi lo legge. Scritti che nel loro alto senso di spirito critico si sentono leali e sinceri, rispettosi, nella loro discrezione, dei tempi di chi ascolta, seppure in una responsabilità di denuncia del bene e del male che in nessun modo evade, proprio per quell'essere uomo di valori che non si svende mai, con il mantenere sempre rapporti di alto livello, di rispetto verso gli altri, pur non scevri di quella qualità più coinvolgente che lo muove, quella passione tanto viva nei suoi versi. I personaggi che animano la sua poesia nel suo filo di memoria sono, talvolta, quelli che nel tempo ha sentiti avversari e che nel suo -sonno-sogno- di bambino ha combattuto come si combattono i fantasmi, anche se in un capacitato proposito ha deciso di non parlarne mai male, e soprattutto di non rinfacciarlo mai, per il piacere di essersi adoperato per quella scelta e basta, convinto che il balsamico -silenzio- adottato, sia più comunicativo di qualsiasi parola. Scrittore di grande impegno ha pubblicato diversi saggi letterari riguardanti particolarmente la poesia, e nel tempo i suoi stessi versi sono entrati in importanti riviste e nelle antologie. La sua prima pubblicazione del 1972 fu una plaquette , un piccolo opuscolo, “Diagramma”, a seguire nel 1986 pubblicò “Quartiere d'inverno” e nel 2003 “Acque del fondale”, espressione quest'ultima del rapporto eterno del destino dell'uomo in un corollario di natura, che sa di azzurro di cielo, di mare e di luce che travalica il buio che attanaglia il mondo, in una composizione di scrittura di verso che supera gli elementi strutturali della poesia lirica, già in quel suo significato di participio passato del verbo vertere che viene meno al suo significato di voltare, confermando la scelta dell'aspetto narrativo, così come con l'ellissi della metrica, della rima, della strofa e del ritmo. Ultima sua opera pubblicata nel 2019 è “Società italiana spiriti”, silloge poetica accreditata come finalista in questo 61° Premio Nazionale Poesia Frascati Antonio Seccareccia, una raccolta di narratività poetica che sviluppa a mo' di capitoli un tessuto di vita autobiografica, ed è proprio in direzione di questo aspetto che si giustifica, tra l'altro, l'adozione del sistema narrativo, non atipico esempio di moda poetica negli anni '70 e dell'esemplare poesia di Vittorio Sereni nella condizione precipua della sua arte. Il titolo potrebbe dare a credere che l'opera parli di dottrine spirituali, di un mondo esoterico, di verità occulte, dell'aldilà, quando realmente indica una piccola azienda di prodotti alcolici, una distilleria siciliana che condivide commercio con una più grande del Nord Italia, facendoci respirare la realtà sociale industriale che si avviava verso il boom economico degli anni '60. Nella descrizione di un viaggio di vita immerso in una forte “memoria” chiaro è il grido di -dolore- del nostro poeta per quel mondo sprofondato per gli affari andati male della Società Spiriti, dove suo padre aveva coinvolgimento per essere figlio d'arte in quanto suo nonno era già stato proprietario di una distilleria, e ora egli stesso con il vento in poppa, in un mondo roseo di una casa rinnovata e perfino un'amante si apprestava a implementarne una seconda. Nella sua suggestione di bimbo si figurava viaggi in continente di autotreni di distillato puro e in un aldilà possibile una congregazione ultraterrena di mutuo soccorso di entità nostrane, ricordo queste delle tante figure, personaggi del suo mondo, che avevano animato la piccola società industriale stessa, ora facenti parte come -spiriti- di quell'altrove, di quell'aldilà, di quell'oltre, quando erano state nel di qua entità di vita reale. Figure descritte in maniera minuziosa con aggettivazioni, in un senso di una parola ricca, alta, corposa, identificata dalla critica in quel lirismo barocco che fiorisce una poesia a cui ci si identifica per la sua forma di grazia. Intrigante risulta questo gioco di doppio significato, di rimando tra gli spiriti della società distillatrice e gli spiriti-persone divenute ora invisibili, seppur tra sonno e sogno rese quanto più visibili, pur se ormai figure dilatate e rarefatte. Da qui forse l'iniziale confusione nata in alcuni riguardo il titolo dell'opera? Figure che in quel gioco di specchio affisso a parete, di rimando, ci riporta con la mente a quella forma descrittiva, curata, ricca di dettagli, della innovativa pittura ad olio del fiammingo Jan Van Eicke dei coniugi Arnolfini nelle loro immagini ritratti frontalmente e nello specchio di spalle. Gioco di specchi incipit di una forma pittorica che diventerà esecutiva nel 1600 con Las Merinas di Velasquez. La pittura fiamminga non vede una grande contrapposizione tra tradizione ed innovazione nel passaggio dal Gotico Internazionale, gotico di cui il nostro Di Mauro nei suoi capisaldi culturali gode sicuramente consapevolezza, se è vero che l'alambicco troneggia nella torre della vecchia distilleria -come un santuario gotico-. Nell'entrare in maniera più dettagliata nell'opera di di Mauro, originale in questo suo paradigma di narrazione in poesia del proprio passato, certamente di pregio è la lettura dei vari segmenti che la compongono degni di “umana Pietas” Il primo “Storie dell'età dell'oro” è un po' tutta la summa della storia raccontata in questa raccolta. Una forte affabulazione, in una uscita dalle quinte di un palcoscenico tra cielo, fondale, architettura di natura e fantasia, in quello spazio scenico di terra d'origine -heimat- di casa, di luogo natio, di infanzia, di affetti sulla scia di quell'Hordelin recitativo non tanto della nostalgia romantica dell'uomo in una pallida età dell'oro, ma quanto più per il suo senso più profondo e segreto per la separazione dalla propria Patria, dalla propria terra. In questa sezione Di Mauro non esclude nulla del mondo creato, enumera i personaggi: nella sua emotività la protettiva nonna Concetta, la madre di suo padre; Michele l'operaio eroe tornato dall'America; la bella Elena, l'amante del padre di facile incontro, vistosa nei suoi capelli a toupet; l'avvocato del diavolo, ricordo del male che era entrato a colpire ad annientare tutto, fino al crollo della distilleria; il compagnetto di scuola velenoso nella parola nel rammentargli il fallimento del padre, durante un momento scolaresco gioioso quale quello della festa degli alberi, il consolatorio bastardino, indifeso cagnolino, vecchio Giulio; sua mamma che appariva bella a lui bimbo, in quel dolore percepito per l'amarezza del tradimento subito e a lui attaccatissimo, che intimidito, pauroso ogni giorno si spaventava all'idea di ritrovarla morta. Fortunatamente, però, come dice il nostro autore, la vita va avanti, fino al momento di quella sua famigliola ricomposta, con un padre ritrovato, in un puro spirito che profuma di anime. Quanti e quali bei sentimenti traspaiono da queste pagine fatte di sogni, di amore di gioia e di dolore, di solitudine, di morte, e non ultima perché in effetti sempre prima, di speranza! In maniera miniaturistica, nel proscenio di una natura interpretativa dei sentimenti umani, sono enumerati gli uomini, gli affetti, lo spazio, il tempo, quella specie di vocabolario della vita e del costume, dove tutto ha importanza e concorre a creare la storia. Il tutto in un esito di elemento unificante la luce nel suo fenomeno naturale, perché ciò che è rappresentato abbia giusto risalto e una precisa individuazione, e soprattutto nel suo aspetto metaforico. Di grande pathos è la lettura di questa sezione, dove come messaggio ultimo va letto il carezzevole significato dell'amore. Non a caso essa viene dedicata a Filemone e Bauci, i protagonisi della mitologia classica rappresentati anche nell'ottavo libro delle Metamorfosi di Ovidio, i due anziani sposi che inteneriscono il cuore per il grande indissolubile amore reciproco. A confutare questo dire, tra l'altro, lo scritto introduttivo della prima pagina “Venerdì di Passione” che nel calendario liturgico è il Venerdì Santo, dove Passione qui, invece è ancor più riferito all'intensità del sentimento amoroso che è anche sofferenza per varie ragioni. La seconda sezione è “Frammenti di lettere a familiari e amici”. Il tema che ivi predomina è la morte. Le missive sono indirizzate ai cari familiari defunti, al nonno, alla madre, al padre, agli amici poeti vivi e non, ai compagni di cammino come Maurizio Cucchi e Salvo Basso. Morte che però non è mai intesa come annientamento, perché proprio in quelle emozioni di ricordi di amore e amicizia la vita sembra ancora vitale e palpabile. “Pietà del figlio” è la terza sezione. In essa ancora, si percepisce l'alito della morte, ma in una religiosa devozione. “Il vecchio saggio biascica testardo la sua oratoria...Signore l'onnipotente del Padre Abramo che salvasti dal sacrificio Isacco... Quali colpe dell'origine espiamo per tutti sulla terra... io almeno ho confessato...eppure per stare qui un qualche reato grave l'ho commesso...la mia condizione di privilegio per la salvezza eterna...potessi ancora dormire e sognare...sul lastrone di tufo intagliato deposto il corpo non è ancora rigido...il dolore trovi le sue ragioni”. E questo indicibile lamento nella sua esternazione diventa la bella preghiera di fede, dove la pietà del figlio nella sua doppia valenza di lettura, metaforicamente diventa il Cristo che con la sua nascita, morte e resurrezione ha redento l'umanità. A seguire la sezione “Dentro oltre lo sguardo” perché di infinita bellezza entra nel cuore con le varie sottosezioni -Autunnale, A luce traversa, La luce di Nisan, Latitudine di luce, Notturni- essa vede di nuovo il tempo che investe nel suo raccontare quello della distilleria, delle angosce familiari subite in quella tenerezza di addio, in quella amarezza di tradimento conosciuto dalla madre, -sacrificio della vittima predestinata- in una poesia salvifica dove -la parola diventa vivente nel corpo ineluttabile della scrittura- così come il lutto, il lamento, il silenzio e le tenebre ritornando dal buio diventano speranza, fuoco che sa di luce nella cripta del cuore-. Le poesie di “diario clinico” chiudono questa raccolta come un epilogo di un poema dove il dolore si decanta e viene a riconciliarsi in quella morte che lascia il padre -piccolo essere inerte-, ma agli occhi del figlio perché ormai -vittima purificata nel sacrificio suo stesso- diventa -degno di essere chiamato padre, ombra tra le care, figura di memoria viva- apoteotica. “Società italiana spiriti” si consegna al lettore non sempre facile di lettura, ma opera bella, bella, bella, catartica nei suoi tanti messaggi di raffinata scrittura di effetto, scolpita nelle sue parole tra immagini e sensazioni create per suscitare emozioni senza filtri tra chi scrive e il lettore, perché come decomposizione della propria anima possa servire agli altri. Ricca dei tanti rimandi culturali è nell'eco di una pascoliana, dannunziana, montaliana memoria che ben impressiona chi legge, piacendo non poco al lettore che vive altri mondi, ogni volta confacenti ai propri nuovi mutevoli sopraggiunti stati d'animo.

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Il Doloce Stil Novo - Walter Casagrande

  UNA NUOVA LUCE: IL DOLCE STIL NOVO

 Dante usa la definizione di "dolce stil novo" nel canto 24 del Purgatorio ove egli incontra Bonagiunta..

«"Ma dì s'i' veggio qui colui che fore
trasse le nove rime, cominciando
Donne ch'avete intelletto d'amore."
E io a lui: "I'mi son un che, quando
Amor mi spira, noto, e a quel modo
ch'e' ditta dentro vo significando."
"O frate, issa vegg'io", diss'elli, "il nodo
che 'l Notaro e Guittone e me ritenne
di qua dal dolce stil novo ch'i' odo!"»

(Purg. XXIV, vv. 49-57)

 

Da questa frase il vecchio Bonagiunta riesce a cogliere la lontananza e la differenza del novo stile al suo e capisce che la novità del “dolce stil” va cercata all’assoluta fedeltà d’amore  .   

Il Dolce Stil Novo, è un importante movimento poetico italiano sviluppatosi tra il 1280 e il 1310 inizialmente a Bologna grazie al suo iniziatore Guido Guinizzelli, ma poi spostatosi a Firenze dove si sviluppò maggiormente.

Per quanto riguarda la novità sul piano stilistico essa riguarda l'amalgama linguistico metrico sintattico che deve risultare "dolce". Occorre un volgare illustre che sia il più possibile elevato e puro e insieme musicale e melodioso. Il pubblico delle nuove rime è quello molto selezionato e ristretto che proviene dalla nobiltà feudale e dagli strati intellettuali più elevati. Gli stilnovisti si considerano una cerchia eletta che trova nella sua superiorità culturale e nella propria raffinatezza spirituale le ragioni di un prestigio sociale non più dipendente dalla nobiltà di sangue ma solo da quella dell'animo.

Con il superamento della corrente poetica siculo-toscana (Guittone d'Arezzo,  Jacopo da Lentini e lo stesso Bonagiunta Orbicciani) i cui versi cadono, talvolta, in vuote espressioni formali, una nuova luce s'intravede, nella realtà cittadina e nel rapporto con una donna che scende per strada e va a messa. La donna appare per via e la sua bellezza colpisce il cuore del poeta  come una nuova visione e una nuova concezione del sentimento dell'amore.

Con lo Stilnovo si affermava, quindi, un nuovo concetto di amore impossibile, con i suoi precedenti nella tradizione culturale, nonché il nuovo concetto di donna, concepita adesso come donna angelo, donna angelica: la donna, nella visione stilnovistica, ha la funzione di indirizzare l'animo dell'uomo verso la sua nobilitazione e sublimazione: quella dell'Amore assoluto identificabile pressoché con l'immagine della purezza di Dio.                                                                                                                           La donna angelicata, è oggetto di un amore tutto platonico ed inattivo.  Parlare di lei è pura ascesa e nobilitazione dello spirito, puro elogio e contemplazione descrittivo-visiva che consente al poeta di mantenere sempre intatta e puramente potente la propria ispirazione in quanto diretta ad un oggetto volontariamente cristallizzato e, ovviamente, giammai raggiungibile.

POETI STILNOVISTI

Gli stilnovisti maggiormente rappresentativi sono: Guido Guinizzelli (bolognese), considerato il precursore del movimento, Dante Alighieri, Guido Cavalcanti, Lapo Gianni, Gianni Alfani, Cino de' Sigilbuldi da Pistoia e Dino Frescobaldi.

Esaminiamo i più significativi:

Il primo stilnovista è stato senz'altro Guido Guinizzelli

Guido Guinizzelli

nasce a Bologna tra il 1230 e il 1240 e, secondo quanto riportato, muore a Monselice nel 1276. Sulla sua identità si hanno notizie scarse e discordanti: alla tradizione, che lo vuole podestà di Castelfranco, si è ormai sostituita un’altra ricostruzione, che lo identifica in un giudice o giurisperito, figlio di Guinizzello da Magnano e di un’esponente della famiglia Ghisilieri, di simpatie ghibelline, e di conseguenza profondamente inserito nella vicende politiche del suo tempo.: secondo questa ricostruzione, l’affermazione a Bologna del potere guelfo nel 1274 lo avrebbe portato all’esilio a Monselice, dove sarebbe morto due anni dopo.   La sua opera più importante è Il canzoniere, si compone di 15 sonetti e 5 canzoni.   Il poeta compone tra il 1265 e il 1276, ma non si ha una cronologia completa e affidabile delle sue opere. e questa incertezza sulla cronologia non permette una divisione accurata del percorso poetico dell'autore: con ogni probabilità si può definire una distinzione tra la prima giovinezza del poeta, di stampo guittoniano, e una seconda fase, che anticipa lo stilnovismo.  Rientrano nel primo periodo sonetti in settenari,  al secondo periodo, quello che si può definire come prestilnovista, appartengono le canzoni (in endecasillabi e settenari), i diversi sonetti il cui tema centrale è la lode dell'amata, quelli che anticipano le tematiche svolte in seguito da Guido Cavalcanti

Io vogli del ver la mia donna laudare
ed asembrarli la rosa e lo giglio:
più che stella dïana splende e pare,
e ciò ch’è lassù bello a lei somiglio.

Verde river’ a lei rasembro e l’âre,
tutti color di fior’, giano e vermiglio,
oro ed azzurro e ricche gioi per dare:
medesmo Amor per lei rafina meglio.

Passa per via adorna, e sì gentile
ch’abassa orgoglio a cui dona salute,
e fa ’l de nostra se non la crede;

e no·lle apressare om che sia vile;
ancor ve dirò c’ha maggior vertute:
null’ om mal pensar fin che la vede.

 

 

Guido Cavalcanti nasce nel 1258 circa a Firenze in una famiglia guelfa molto potente che ha partecipato alla battaglia di Montaperti (1260) . Di carattere solitario, dedito alla ricerca poetica  e allo studio, Guido Cavalcanti è tuttavia inserito nella vita politica della sua città, al punto da venir promesso, nel 1267, a Beatrice, la figlia di Farinata degli Uberti, per favorire la pacificazione tra Guelfi e Ghibellini. Nel 1280 Cavalcanti figura tra i garanti della pace cittadina, ma nel 1293 viene esonerato dalle cariche pubbliche, in base a quanto stabilito dagli Ordinamenti di Giustizia di Giano della Bella.  Cavalcanti partecipa in prima linea ai violenti scontri tra guelfi bianchi (per cui Guido, legato alla famiglia Cerchi, parteggia) e neri, al punto da rischiare di venire ucciso da Corso Donati, comandante dei Guelfi Neri, durante un pellegrinaggio a Santiago di Compostela. Nel 1300, durante il priorato di Dante, il livello degli scontri costringe le autorità cittadine ad esiliare i capi delle due fazioni; Guido è mandato così a Sarzana (nella regione della Lunigiana, al tempo particolarmente insalubre), dove probabilmente contrae la malaria. Richiamato a Firenze, Cavalcanti muore poco tempo dopo.

Perch’i’ no spero di tornar giammai,
ballatetta, in Toscana,
va’ tu, leggera e piana,
dritt’a la donna mia,
che per sua cortesia
ti farà molto onore.

Tu porterai novelle di sospiri
piene di dogli’ e di molta paura;
ma guarda che persona non ti miri
che sia nemica di gentil natura:
ché certo per la mia disaventura
tu saresti contesa,
tanto da lei ripresa
che mi sarebbe angoscia;
dopo la morte, poscia,
pianto e novel dolore.

Tu senti, ballatetta, che la morte
mi stringe sì, che vita m’abbandona;
e senti come ’l cor si sbatte forte
per quel che ciascun spirito ragiona.
Tanto è distrutta già la mia persona,
ch’i’ non posso soffrire:
se tu mi vuoi servire,
mena l’anima teco
(molto di ciò ti preco)
quando uscirà del core.

Deh, ballatetta, a la tu’ amistate
quest’anima che trema raccomando:
menala teco, nella sua pietate,
a quella bella donna a cu’ ti mando.
Deh, ballatetta, dille sospirando,
quando le se’ presente:
«Questa vostra servente
vien per istar con voi,
partita da colui
che fu servo d’Amore».

Tu, voce sbigottita e deboletta
ch’esci piangendo de lo cor dolente,
coll’anima e con questa ballatetta
va’ ragionando della strutta mente.
Voi troverete una donna piacente,
di sì dolce intelletto
che vi sarà diletto
starle davanti ognora.
Anim’, e tu l’adora
sempre, nel su’ valore.

Poetica e stile 

Guido Cavalcanti, studioso, filosofo e poeta, è anche l’animatore riconosciuto (e per certi aspetti il fondatore) del gruppo di poeti il cui movimento sarà poi riconosciuto come Stilnovo e che si pone sull’onda di sviluppo della lirica d’amore che va dalla poesia provenzale alla scuola siciliana. Il tema fondamentale della poesia è infatti una concezione d’amore che rielabora quella di Guinizzelli in direzione più intellettuale e drammatica, con significativi punti di contatto con le inclinazioni filosofiche dell’autore.

 La poetica d’amore di Cavalcanti è innanzitutto pessimistica: Amore è una forza ostile che coinvolge le facoltà umane e conduce inesorabilmente alla morte. Ad essere messe in luce sono due situazioni tipiche: l’angoscia che colpisce l’innamorato e il suo annichilimento, cioè la perdita di ogni facolta di reazione di fronte alla comparsa della donna. La poesia cavalcantiana si concentra così, partendo dalla base filosofica dell’averroismo.

Il poeta è infatti un esponente dell’averroismo, ovvero una forma radicale di aristotelismo all’interno della Scolastica medievale che si rifà alle opere del filosofo arabo Averroè (1126-1198). Il conflitto che l'amore genera nel corpo e nella mente dell’uomo e che alla fine lascia il poeta privo delle proprie funzioni vitali.

Al centro di tutto  c'è la rappresentazione interiore che l’uomo si fa della bellezza esteriore dell’amata. L’amore diventa di ostacolo alla conoscenza e provoca turbamenti interiori che culminano nell’oscuramento della ragione, da cui deriva l’impossibilità di dedicarsi all’attività speculativa dell’uomo.

Eppure, in opposizione a questa visione cupa e pessimistica del sentimento amoroso, la poesia di Cavalcanti presenta un altro aspetto di fondamentale importanza per il rapporto con lo Stilnovismo, ovvero la lode della figura femminile

La positività dell’amore, che si contrappone agli effetti drammatici della passione, si traduce allora in immagini e metafore che diventeranno riferimenti per i poeti della cerchia stilnovistica: il paragone tra la bellezza dell’amata e il mondo della Natura, il tema dell’apparizione della figura femminile nell’anima del poeta, l’affermazione convenzionale di non poter lodare a sufficienza la creatura femminile. Se quindi Cavalcanti getta le basi per la spiritualizzazione dell’amore degli stilnovisti, egli tuttavia non giunge mai a teorizzare la donna-angelo

Lapo, detto Lapo Gianni

 

Appartenne al gruppo fiorentino del Dolce stil novo e, in base ad atti storici articolati in un trentennio a cavallo fra Duecento e Trecento, risulta svolgesse molto probabilmente un'attività da notaio (viene spesso identificato con l'appellativo di notaio Ser Lapo, figlio di Giovanni Ricevuti, da cui il presunto cognome Gianni). . L’Archivio di Stato di Firenze conserva atti da lui rogati tra il 24 maggio 1298 e il 24 maggio 1328: poiché all’epoca occorreva aver compiuto vent’anni per essere ammessi al collegio notarile fiorentino si può calcolare la data della sua nascita negli anni 1278-80    Egli è, quindi, da identificare con il rimatore Lapo Gianni, a cui i manoscritti assegnano diciassette componimenti, che fu sodale di Guido Cavalcanti e di Dante Alighieri, menzionato da quest’ultimo nel De vulgari eloquentia.

Le sue composizioni - a detta dei critici - si distinguono per una particolare leggerezza e originalità.

È ricordato - oltre che per i suoi diciassette componimenti giunti ai nostri giorni (undici ballate, cinque canzoni e un sonetto doppio caudato) - per essere stato citato da Dante (del quale fu amico assieme a Guido Cavalcanti) nel celebre sonetto delle Rime che inizia con il verso Guido, i' vorrei che tu e Lapo ed io.

Mancano notizie precise sulla sua famiglia.

 

Nel vostro viso angelico amoroso

 

 

Nel vostro viso angelico amoroso

                 vidi i begli occhi e la luce brunetta,

                 che 'nvece di saetta

                 mise pe' miei lo spirito vezzoso.

Tanto venne in suo abito gentile

                quel novo spiritel ne la mia mente,

                che 'l cor s'allegra de la sua venuta.

                Dipose giù l'aspetto signorile

                parlando a' sensi tant' umilemente

                ch'ogni mio spirit' allora 'l saluta.

                Or hanno le mie membra conosciuta

               di quel signore la sua gran dolcezza,

               e 'l cor con allegrezza

               l'abraccia, po' che 'l fece virtuoso

 

 

DANTE ALIGHIERI

Non si può non concludere con la poesia di Dante che non solo cita e raggruppa i più significativi stilnovisti, ma estende l'idealizzazione dell'amore per la donna angelica alla esaltazione del sentimento dell'amicizia:

Guido, i’ vorrei che tu e Lapo ed io
fossimo presi per incantamento
e messi in un vasel, ch’ad ogni vento
per mare andasse al voler vostro e mio;

sì che fortuna od altro tempo rio
non ci potesse dare impedimento,
anzi, vivendo sempre in un talento,
di stare insieme crescesse ’l disio.

E monna Vanna e monna Lagia poi
con quella ch’è sul numer de le trenta
con noi ponesse il buono incantatore:

e quivi ragionar sempre d’amore,
e ciascuna di lor fosse contenta,
sì come i’ credo che saremmo noi.

 

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Ritorno al Sonetto - Patrizia Pallotta

Ritorno al sonetto

Cento Sonetti Indie di Luca Alvino

Nei sonetti è parecchio differente

-Anche se sembran strofe assai vicine

Comporre le quartine e le terzine

E farlo in modo acuto e intelligente.

 

Io penso che inequivocabilmente

Da Dante fino a Shakespeare le quartine

Sono più complesse, per le quattro rime

E il ritmo più magniloquente.

 

 

Sono cento i sonetti indie, che sta per indipendenti, dei quali Luca Alvino, poeta romano, ci fa dono con estrema semplicità e trasparenza,

I suoi versi potrebbero essere riassunti in unico lungo racconto, dove troviamo un luogo ideale e speculare relativo alle nostre problematiche quotidiane.

Alvino si presenta insieme alla collocazione naturale della vita , con tutti i suoi dubbi, incertezze attraverso la descrizione minuziosa di ogni pensiero che passa per la mente.

Il suo più grande desiderio è quello di volere, con la stessa determinazione del poeta P.Paolo Pasolini, scrivere ogni giorno, un sonetto, senza mai lasciare, con grande disciplina.

E’ attraverso i suoi versi che impariamo a conoscerlo e ascoltare le emozioni che lo circondano.

Il poeta trasmette tutta la sua angoscia per la depressione, per la voglia di vincere e

ritrovare sé stesso in ogni momento della giornata.

Per assolvere questo oneroso compito, cerca di gestirsi consultando medici che lo possano aiutare.

In una sua poesia dal titolo “Senza riuscire a riposarsi mai” , recita :

 

Esser desideroso di riposo

Senza riuscire a riposarsi mai

Stanchi, e non rassegnati alla stanchezza

Ed acquisire sempre più destrezza

Nell’arzigogolare mezzi ignari

In un intrico forte e voluttuoso…

 

Questo percorso che Alvino fa , è di sicuro come un diagramma dei suo stati d’animo, un increscioso diagramma oserei dire, in cui il poeta registra una radiografia della sua mente, e nella poesia “ La cura” i suoi versi suonano così :

 

metabolizzare le emozioni

e per resistere alle tentazioni

per rimanere dentro i miei contorni…

 

Vive nella sua propensione il desiderio pulsante per affrontare e vincere ,e la sua vittoria la riconosce attraverso i sonetti, nei quali ripone la speranza, vivendo alla

giornata.

Un elemento che denota un carattere pieno di coraggio , con immagini chiare, giornate combattive, anche semplici, un poeta che guarda il Festival di Sanremo,

ascolta e critica altre canzoni, mantenendo un ritmo preciso. Un grande lavoro, un impegno non indifferente.

Fra i suoi sonetti, fa menzione della sua famiglia : la moglie suo appoggio morale, i figli

che adora e la Fede in Dio, al quale si appella molte volte, esprimendo alcune volte il

timore d’averlo scoperto troppo tardi, riprendendo il pensiero di S. Agostino.

Il Papa , è citato in uno dei suoi sonetti con questi versi : Biancheggia il Papa solo nella spiaggia, rappresentata dalla Piazza S.Pietro e dalla sua solitudine nel chiedere aiuto a Dio per la pandemia

Alvino si circonda, spesso di silenzio, preferisce piuttosto scrivere che parlare, è il suo modo catartico espressivo, i versi sono il suo pane giornaliero, tutta l’opera rappresenta un monologo, trasmissibile agli altri.

Del periodo della quarantena parla in modo entusiasta, lo giustifica evidenziando la

vicinanza alla famiglia, pur se per costrizione, lo considera un periodo ottimo e il suo

sguardo si rivolge verso la Primavera in arrivo.

Alvino ci sorprende in questi cento sonetti indipendenti e dimostra il nostro stupore per la sua schiettezza , mentre nel sonetto “ Che meraviglia le contraddizioni” , rivela

un pensiero per dimostrare la sua verità e la non verità, così verseggiando :

 

In tutti questi versi ho accumulato

Tante menzogne e tante verità

Perché non m’interessa la realtà

Ma ciò che nel mio cuore ho meditato.

Mi contraddico già lo ha rivelato

Walt Whitman nella propria vastità

Sono fedele alla difficoltà

E mi compiaccio là dove ho sbagliato…

 

Uomo e poeta di cultura se nomina uno dei più grandi poeti inglesi, lo si deve riconoscere. Lascia Alvino nel corso della sua lettura, il lettore un po’ sorpreso con questo sonetto. Che sia l’uomo di Shakespeare, quello che si chiede “Essere o non essere?”, solo leggendo possiamo farci un’idea. Potrebbe trattarsi di pura e semplice autoironia, avulsa volutamente da qualsiasi tragedia. Oppure ci si chiede se Alvino usi

L’imprudenza del colophon iniziale : “Per raccontare bisogna essere imprudenti” frase di F. Scott Fitzgerald. Questo il suo messaggio ? L’ultimo sonetto il centesimo dal titolo “ Il tempo che verrà” e che riporto, incarna la verità cercata dal poeta stesso, una verità laddove esiste uno specchio colmo di una pletora di gente e di quel grande patrimonio dell’umanità nel riflesso della nostra stessa interiorità.

 

 

Patrizia Pallotta

 

 

 

 

 

 

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